영화 편집

서사 구조 구성은 영화 편집의 가장 근본적인 목적 중 하나이다. 편집자는 촬영된 수많은 장면과 숏들을 선택하고 배열하여 이야기의 논리적 흐름을 만들어낸다. 이 과정을 통해 관객은 시간과 공간의 도약을 자연스럽게 받아들이게 되며, 인물의 성장과 사건의 전개를 이해할 수 있게 된다. 효과적인 편집은 복잡한 서사를 명료하게 전달하고, 관객의 집중을 유지하는 데 결정적인 역할을 한다.

편집을 통한 서사 구성은 기본적인 3막 구조를 구현하는 데서 시작한다. 설정과 등장인물을 소개하는 1막, 갈등이 고조되는 2막, 그리고 갈등이 해결되는 3막으로 이어지는 흐름은 각 장면의 길이와 순서를 신중하게 조정함으로써 완성된다. 또한 플롯의 중요한 순간, 즉 클라이맥스나 반전과 같은 요소를 강조하기 위해 편집 리듬이나 시각 효과를 활용하여 극적 효과를 극대화하기도 한다.

더 나아가 편집은 시공간을 자유자재로 조작하여 서사를 풍부하게 만든다. 플래시백이나 플래시포워드 기법을 통해 과거의 사건을 삽입하거나 미래를 암시함으로써 이야기의 깊이와 복잡성을 더할 수 있다. 여러 스토리라인이 병행되는 서사의 경우, 편집자는 각 이야기선을 오가며 컷을 배열하여 서로 다른 공간에서 동시에 일어나는 사건들을 대비시키거나 연결 짓는다. 이처럼 편집은 단순한 장면의 연결을 넘어 영화의 서사 구조 자체를 설계하는 창조적 행위이다.

영화 편집에서 리듬과 속도 조절은 관객의 인지 부하와 감정적 몰입을 직접적으로 통제하는 핵심 기능이다. 편집자는 각 장면의 길이와 컷 사이의 간격을 조절하여 영화의 전체적인 템포를 결정한다. 빠른 연속 컷 편집은 긴장감이나 활기를 조성하는 반면, 긴 롱 테이크는 여유로움이나 심각한 분위기를 연출한다. 이렇게 조성된 리듬은 관객이 이야기를 따라가는 속도와 호흡을 자연스럽게 안내한다.

편집의 리듬은 단순히 빠르고 느림을 넘어서, 장면 내부와 장면 사이의 유기적인 흐름을 만들어낸다. 예를 들어, 액션 시퀀스에서는 짧은 컷들이 빠르게 이어지며 박진감을 높이는 반면, 감정이 고조되는 드라마틱한 순간에서는 컷의 길이를 늘려 심리적 깊이를 부여한다. 또한 점프 컷과 같은 기법을 의도적으로 사용하여 시간의 단절감을 주거나 특정한 리듬감을 창출하기도 한다. 이러한 속도 조절은 영화의 서사 구조와 결합하여 관객의 집중력을 유지하고 감정적 반응을 극대화하는 데 기여한다.

결국 편집을 통한 리듬과 속도의 조절은 보이지 않는 심리적 지휘자 역할을 한다. 각 컷의 지속 시간, 샷의 구성, 그리고 장면 전환의 선택은 모두 영화의 호흡을 결정짓는다. 잘 조율된 편집 리듬은 관객으로 하여금 지루함이나 혼란 없이 이야기의 흐름에 완전히 몰입할 수 있게 하며, 이는 영화 편집이 단순한 기술이 아닌 예술적 판단이 요구되는 작업임을 보여준다.

편집은 단순히 장면을 이어붙이는 것을 넘어, 영화가 관객에게 전달하고자 하는 감정적 메시지를 구체화하고 강화하는 핵심적인 역할을 한다. 편집자는 각 샷의 길이, 장면의 배열 순서, 그리고 다양한 전환 기법을 통해 관객의 심리적 반응을 세밀하게 조종한다. 예를 들어, 긴장감을 고조시키기 위해 샷의 길이를 점점 짧게 하여 빠른 리듬의 몽타주를 구성하거나, 반대로 감정적 여운을 남기기 위해 특정 샷을 의도적으로 길게 유지하기도 한다.

특히 감정과 분위기 조성에 있어 클로즈업 샷의 선택과 타이밍은 결정적이다. 등장인물의 미세한 표정 변화나 감정이 고조된 순간을 클로즈업으로 보여줌으로써, 관객은 캐릭터의 내면 세계에 더 깊이 공감하게 된다. 또한, 색감 조정이나 특수한 시각 효과를 편집 단계에서 적용하여 장면 전체의 분위기를 한층 극대화하기도 한다. 이러한 모든 선택은 궁극적으로 영화의 서사적 흐름을 넘어선 감정적 곡선을 만들어내는 데 기여한다.

편집은 사운드와 영상의 결합을 통해 그 효과를 배가시킨다. 대사 사이의 침묵, 배경음악이 들어오는 정확한 순간, 그리고 음향 효과의 강약은 모두 편집자의 결정에 따라 배치된다. 갑작스러운 음악의 중단이나 날카로운 효과음의 삽입은 공포나 놀라움을, 부드럽고 조화로운 음악과 자연스러운 환경음은 평온함이나 서정적인 분위기를 조성한다. 따라서 편집자는 시각적 요소와 청각적 요소를 하나의 통일된 감정 언어로 융합시키는 조율자 역할을 한다.

시각적 연속성 유지는 영화 편집의 핵심 기능 중 하나로, 관객이 영화를 하나의 자연스러운 흐름으로 인식하도록 만드는 것을 목표로 한다. 이는 서로 다른 시간과 장소에서 촬영된 여러 개의 샷들을 연결할 때, 화면 내 요소들의 위치, 움직임, 조명, 의상 등이 일관되게 보이도록 하는 작업을 포함한다. 예를 들어, 한 장면에서 왼쪽을 바라보는 인물이 다음 샷에서 갑자기 오른쪽을 바라보면 관객은 혼란을 느끼게 된다. 편집자는 이러한 불연속성을 방지하기 위해 액션의 일관성, 시선의 일치, 180도 법칙과 같은 원칙을 적용하여 장면 간의 매끄러운 전환을 만들어낸다.

시각적 연속성은 단순히 오류를 방지하는 것을 넘어, 영화의 몰입감을 결정하는 중요한 요소이다. 조명의 색온도와 강도, 배우의 의상과 분장, 심지어 손에 들고 있는 소품의 상태까지 장면 전반에 걸쳐 일관성을 유지해야 관객은 이야기 세계에 완전히 빠져들 수 있다. 특히 액션 장면이나 복잡한 대화 장면에서는 여러 각도에서 촬영된 샷들을 교차 편집하며, 각 샷에서 인물의 동작과 위치가 정확히 연결되도록 세심한 주의를 기울인다. 이를 통해 관객은 공간과 시간의 단절을 느끼지 않고 하나의 연속된 사건으로 경험하게 된다.

편집 과정에서 시각적 연속성을 점검하는 것은 러프 컷 단계부터 파인 컷에 이르기까지 꾸준히 이루어진다. 영화 편집자는 편집 소프트웨어의 타임라인을 통해 샷을 나열하고, 반복 재생하면서 움직임의 흐름이 자연스러운지, 장면 전환 시 시선이나 프레임 구성에 위배되는 점은 없는지 확인한다. 때로는 연속성을 위해 특정 샷의 순서를 바꾸거나, 일부 프레임을 잘라내는 트리밍 작업을 수행하기도 한다. 최근에는 디지털 중간 작업 과정에서 색보정과 시각 효과를 통해 촬영 시기의 차이로 인한 불연속성을 보정하는 경우도 많다.

컷 편집은 영화 편집에서 가장 기본적이고 빈번하게 사용되는 기법이다. 이는 한 장면에서 다른 장면으로의 즉각적인 전환을 의미하며, 두 개의 서로 다른 샷을 직접 연결하는 방식을 말한다. 관객의 시선이 한 화면에서 다음 화면으로 순간적으로 이동하도록 만들어, 이야기의 흐름을 자연스럽고 빠르게 이어가는 데 주로 활용된다.

이 기법은 영화 편집자가 서사 구조를 구성하고 시간의 흐름을 압축하는 데 핵심적인 역할을 한다. 대화 장면에서 화자와 청자의 얼굴을 오가며 교차 편집하는 것도 컷 편집의 전형적인 예이며, 이를 통해 대화의 리듬과 긴장감을 조절할 수 있다. 또한 액션 장면에서 빠른 컷을 연속적으로 사용하면 속도감과 역동성을 극대화할 수 있다.

컷 편집은 시각적 연속성을 유지하면서도 장면 간의 의미 있는 대비를 만들어낼 수 있다. 예를 들어, 한 장면의 마지막 샷과 다음 장면의 첫 샷을 매치 컷으로 연결하여 두 대상 간의 유사점을 강조하거나, 극적인 대비를 통해 관객에게 특정 메시지를 전달하는 데에도 사용된다. 이처럼 단순해 보이는 이 기법은 영화의 리듬과 페이스를 결정짓는 가장 중요한 도구 중 하나이다.

컷 편집의 효과는 편집의 타이밍과 길이에 크게 좌우된다. 긴 샷을 유지하는 것은 여유로운 분위기나 심리적 깊이를, 짧고 빠른 컷의 연속은 긴장감이나 혼란스러운 상태를 표현하는 데 적합하다. 따라서 편집 감독은 각 장면의 극적 목적에 맞춰 컷의 위치와 지속 시간을 정밀하게 계산하여 최종적인 영화의 형태를 완성해 나간다.

페이드 인은 화면이 검은색이나 단색에서 점차 선명한 영상으로 변해 들어오는 전환 효과이다. 반대로 페이드 아웃은 영상이 점차 어두워지거나 단색으로 변하며 화면에서 사라지는 효과를 말한다. 이 기법은 주로 장면의 시작과 끝, 또는 이야기의 한 단락이 명확히 구분될 때 사용된다.

페이드 인은 새로운 장면, 새로운 시간, 또는 새로운 이야기의 시작을 알리는 신호로 기능한다. 예를 들어 영화의 오프닝 타이틀 이후 첫 장면이 페이드 인으로 시작하거나, 긴 플래시백 장면이 끝나고 현재 시점으로 돌아올 때 적용될 수 있다. 페이드 아웃은 장면이나 시퀀스의 종결, 이야기의 일시적 중단을 의미하며, 관객에게 숨 고를 시간과 이전 장면에 대한 여운을 남긴다.

이러한 전환은 시간의 경과를 암시하거나, 극적인 휴지를 만들며, 영화의 서사 구조를 시각적으로 구분 짓는 역할을 한다. 무성 영화 시대부터 사용된 고전적이면서도 효과적인 기법으로, 현대 디지털 시네마토그래피에서도 여전히 널리 활용된다. 편집자는 이야기의 흐름과 관객의 정서적 반응을 고려하여 페이드의 속도와 타이밍을 정밀하게 조절한다.

디졸브(dissolve)는 한 장면이 서서히 사라지면서 동시에 다음 장면이 서서히 나타나는 영화 편집 기법이다. 두 장면이 일정 시간 동안 화면에서 겹쳐 보이는 것이 특징이며, 이는 페이드 인과 페이드 아웃이 결합된 형태로 볼 수 있다. 디졸브는 단순한 컷 편집보다 부드럽고 유기적인 전환 효과를 제공하여, 시간의 경과, 장소의 변화, 또는 두 상황이나 아이디어 간의 연관성을 암시적으로 표현하는 데 주로 사용된다.

이 기법은 이야기에서 중요한 시간적 간격을 넘어갈 때, 예를 들어 캐릭터의 여행이나 성장 과정을 압축하여 보여줄 때 효과적이다. 또한, 두 장면 사이에 시각적 또는 주제적 유사점을 강조하여 시각적 은유를 만들거나, 몽환적이거나 추억을 떠올리는 듯한 분위기를 조성하는 데에도 활용된다. 디졸브의 지속 시간은 매우 짧을 수도 있고 길게 유지될 수도 있으며, 이는 편집자가 의도하는 감정적 효과와 리듬에 따라 결정된다.

초기 영화에서 디졸브는 광학 프린터를 이용한 광학 효과로 구현되었으나, 현대의 디지털 비선형 편집 시스템에서는 소프트웨어를 통해 손쉽게 적용할 수 있다. 디졸브의 사용은 영화의 서사 구조와 리듬에 직접적인 영향을 미치며, 관객으로 하여금 장면 간의 변화를 자연스럽게 받아들이게 하는 중요한 시각적 연속성 장치 중 하나이다.

와이프는 한 장면이 화면을 가로지르거나 수직으로, 혹은 다양한 기하학적 패턴을 그리며 다른 장면으로 밀어내듯 전환되는 편집 기법이다. 이 기법은 영화 초기부터 사용된 고전적인 화면 전환 방식 중 하나로, 특히 무성 영화 시대와 1930~40년대 할리우드 클래식 영화에서 두 장면 사이의 시간적 또는 공간적 변화를 시각적으로 명확히 보여주기 위해 자주 활용되었다. 예를 들어, 한 장소에서 다른 장소로의 이동, 또는 한 시간대에서 다른 시간대로의 전환을 부드럽게 연결하는 데 효과적이다.

와이프의 형태는 매우 다양하여, 수평선이 좌우로 이동하는 수평 와이프, 수직선이 상하로 이동하는 수직 와이프, 시계 방향으로 회전하는 시계 방향 와이프, 화면 중앙에서 바깥쪽으로 퍼져나가는 원형 와이프 등 여러 패턴이 존재한다. 이러한 다양한 형태는 단순한 전환을 넘어서 영상에 특정한 시각적 리듬이나 스타일을 부여할 수 있다. 특히 조지 루카스 감독의 스타워즈 시리즈는 고전적인 와이프 전환을 현대적으로 적극 차용하여 시리즈의 시그니처 스타일로 자리 잡은 대표적인 사례이다.

현대 디지털 영상 편집에서는 논리니어 편집 시스템의 효과 라이브러리를 통해 손쉽게 와이프 효과를 추가하고 세부 매개변수를 조정할 수 있다. 그러나 과도하거나 부적절한 사용은 영상의 흐름을 방해하거나 시대에 뒤떨어진 인상을 줄 수 있어, 사용 시 신중함이 요구된다. 오늘날의 영화와 텔레비전 프로그램에서는 보다 자연스러운 컷 편집이 주류를 이루지만, 의도적으로 스타일리시하거나 복고적인 분위기를 연출할 때 선택적으로 활용되기도 한다.

점프 컷은 동일한 장면 내에서 시간의 연속성을 의도적으로 깨뜨리는 편집 기법이다. 일반적으로 영화 편집은 시각적 연속성을 유지하는 것을 원칙으로 하지만, 점프 컷은 이 원칙을 위반하여 동일한 피사체나 구도에서 시간이 갑자기 앞뒤로 도약하는 듯한 효과를 만들어낸다. 이는 관객에게 시간이 생략되었거나 불연속적으로 흐르고 있다는 인상을 주며, 주로 혼란, 긴장, 불안, 또는 캐릭터의 내적 상태를 표현하는 데 사용된다.

점프 컷은 장-뤽 고다르 감독의 1960년 영화 《네 멋대로 해라》에서 처음 두드러지게 사용되며 현대 영화 편집의 중요한 기법으로 자리 잡았다. 이후 다양한 영화와 뮤직비디오, 광고에서 시간의 압축감을 주거나 에너지를 강조하는 수단으로 활용된다. 또한 독립 영화나 실험 영화에서는 저예산으로 제작된 장면을 연결하거나 특정한 미학적 효과를 추구할 때도 종종 사용된다.

점프 컷의 효과적인 사용은 신중한 계산을 요구한다. 남용할 경우 영상의 흐름을 지나치게 단절시켜 관객의 몰입을 방해할 수 있기 때문이다. 따라서 편집자는 이야기의 흐름, 장면의 리듬, 그리고 의도한 감정적 반응에 맞춰 점프 컷의 위치와 빈도를 결정해야 한다. 이 기법은 전통적인 서사 구조를 탈피하고자 하는 작품이나 캐릭터의 주관적 시점을 강조할 때 특히 유용한 도구가 된다.

매치 컷은 두 개의 서로 다른 장면을 시각적, 주제적, 또는 의미론적으로 유사한 요소를 통해 매끄럽게 연결하는 편집 기법이다. 이 기법은 단순한 장면 전환을 넘어, 두 샷 사이에 유기적인 관계를 형성하여 이야기의 흐름을 강화하거나 새로운 의미를 창출하는 데 사용된다. 예를 들어, 한 장면에서 던지는 공의 모습과 다음 장면에서 떠오르는 태양의 모습을 연결하는 식으로, 형태나 움직임의 유사성을 통해 시각적 연속성을 만들어낸다.

매치 컷은 크게 그래픽 매치, 이동 매치, 개념적 매치 등으로 구분될 수 있다. 그래픽 매치는 색상, 형태, 구성 등 시각적 요소의 유사성을 기반으로 한다. 이동 매치는 움직이는 대상의 동작이나 방향이 연결되는 방식이다. 개념적 매치는 두 장면이 시각적으로 다르더라도 주제나 아이디어, 상징적으로 연결될 때 사용된다. 이러한 기법은 관객으로 하여금 무의식적으로 두 장면을 비교하고 연관 지어 생각하도록 유도한다.

이 편집 기법은 영화의 서사 구조를 구성하고 시간의 흐름을 암시하거나, 인물의 내적 상태를 시각적으로 표현하는 데 효과적이다. 또한, 예상치 못한 유머를 생성하거나 강렬한 감정적 반응을 불러일으키는 데도 활용된다. 유명한 예로는 스탠리 큐브릭의 《[2001: 스페이스 오디세이](2001: 스페이스 오디세이)》에서 원시인이 하늘로 던진 뼈가 수백만 년 후의 우주선으로 매치 컷되는 장면이 있다. 이 한 번의 컷은 인류 문명의 거대한 도약을 압축적으로 보여주는 걸작으로 평가받는다.

매치 컷은 영화 편집의 기본 기술인 [컷 편집](컷 편집)의 한 형태이지만, 단순한 장면 전환이 아닌 높은 수준의 시각적 이야기하기를 추구한다. 이는 편집자의 예술적 감각과 이야기에 대한 깊은 이해를 필요로 하며, [영화 편집자](영화 편집자)의 중요한 창의적 도구 중 하나이다.

어셈블리 편집은 영화 편집 과정의 첫 번째 단계로, 촬영이 완료된 모든 테이크 중에서 최종 작품에 사용될 기본적인 장면들을 선별하여 대본 순서에 따라 처음부터 끝까지 나열하는 작업이다. 이 단계는 '일차 편집' 또는 '선별 편집'이라고도 불린다. 편집자는 데일리를 검토하며 각 샷에서 가장 연기와 연출이 뛰어난 테이크를 선택하고, 이를 서사적 흐름에 맞춰 연결하여 영화의 가장 기본적인 골격을 만든다. 이때는 세밀한 컷의 타이밍이나 전환 효과보다는 전체적인 이야기의 흐름과 장면 간의 논리적 연결에 중점을 둔다.

어셈블리 편집의 결과물은 러닝타임이 매우 길며, 불필요한 부분이나 반복되는 샷이 많이 포함되어 있을 수 있다. 그러나 이는 필수적인 과정으로, 이후 러프 컷과 파인 컷 단계를 거쳐 다듬어질 원재료를 제공한다. 이 초기 단계에서 편집자는 감독과 긴밀히 협의하며 영화의 서사 구조와 캐릭터의 행보에 대한 공통된 이해를 형성한다.

러프 컷은 편집 과정의 초기 단계로, 촬영된 모든 장면과 테이크 중에서 스토리 전개에 필요한 핵심적인 샷들을 선별하여 대략적인 순서대로 배열한 첫 번째 완성본이다. 이 단계에서는 각 장면의 길이와 전환 방식 등 세부적인 요소보다는 전체적인 서사 구조와 흐름을 잡는 데 중점을 둔다. 편집자는 시나리오와 콘티를 참고하면서도, 촬영된 실제 영상이 가진 리듬과 가능성을 바탕으로 이야기의 골격을 세운다.

러프 컷의 주요 목적은 영화의 전체적인 길이와 흐름을 확인하고, 플롯의 논리적 진행이나 캐릭터의 동기에 문제가 없는지 점검하는 것이다. 이 단계에서 감독, 제작자, 각본가 등 주요 제작진이 모여 첫 시사회를 갖는 경우가 많으며, 작품의 방향성에 대한 초기 피드백을 주고받는다. 러프 컷은 이후 진행될 파인 컷 작업을 위한 토대가 되므로, 세부적인 완성도보다는 구조적 결함을 발견하고 수정하는 데 그 의미가 있다.

파인 컷은 영화 편집 과정에서 러프 컷 이후에 이루어지는 정교한 다듬기 작업이다. 러프 컷이 전체적인 서사 구조와 장면의 흐름을 잡는 단계라면, 파인 컷은 각 컷의 정확한 인/아웃 포인트를 결정하고, 장면 내부의 타이밍을 미세하게 조정하며, 시각적 연속성을 완벽하게 맞추는 단계이다. 이 과정에서 영화 편집자는 각 샷의 길이를 프레임 단위까지 조절하여 영화의 최종적인 리듬과 속도를 완성한다.

파인 컷 작업에서는 대사와 대사 사이의 공백, 배우의 미세한 표정 변화, 카메라의 움직임과 피사체의 동작이 어떻게 연결되는지에 세심한 주의를 기울인다. 또한 이 단계에서는 시각 효과, CGI, 타이포그래피 등이 추가된 요소들이 편집에 통합되기 시작하며, 임시로 삽입되었던 음악이나 음향 효과도 보다 정밀하게 맞춰진다. 편집 감독은 감독과 긴밀히 협력하며, 여러 번의 수정을 거쳐 최종적인 컷을 확정한다.

파인 컷이 완성되면, 이는 영상의 길이와 내용이 거의 확정된 상태를 의미한다. 이후 진행되는 사운드 편집 및 믹싱, 색보정 작업은 모두 이 파인 컷을 기반으로 이루어진다. 따라서 파인 컷은 영화의 시각적 서사가 고정되는 매우 중요한 마일스톤이며, 이후의 모든 후반 제작 과정의 토대가 된다.

사운드 편집 및 믹싱은 영화 편집 과정의 후반부에 이루어지는 중요한 단계로, 영상 편집이 완성된 후 시각적 요소와 함께 작품의 청각적 경험을 완성하는 작업이다. 이 과정은 촬영 현장에서 녹음된 대사, 배경 소음, 효과음, 음악 등 다양한 사운드 요소들을 정리하고 보강하여 최종적으로 균형 잡힌 사운드트랙을 만들어내는 것을 목표로 한다.

사운드 편집은 먼저 각 장면의 대사를 선명하게 정리하는 대사 편집으로 시작한다. 이어서 발자국 소리, 문 여는 소리, 환경음 등 필요한 모든 효과음을 추가하거나 교체하는 폴리(Foley) 작업과 사운드 이펙트 편집이 이루어진다. 또한, 작품의 감정적 흐름을 강화하기 위해 영화 음악이 편집되거나 새로 작곡되어 삽입된다. 이 모든 개별 사운드 트랙들은 디지털 오디오 워크스테이션을 사용해 준비된다.

이렇게 준비된 수십 개에서 수백 개에 이르는 개별 사운드 트랙들은 최종적으로 사운드 믹싱 과정을 통해 하나의 조화로운 사운드스케이프로 합쳐진다. 사운드 믹서는 각 트랙의 음량, 공간감, 주파수 특성을 조절하여 대사가 명확하게 들리도록 하고, 음악과 효과음이 적절한 균형을 이루게 하며, 서라운드 사운드 시스템에서 입체적인 소리 환경을 구축한다. 이 과정은 관객으로 하여금 영화의 서사와 감정에 완전히 몰입할 수 있도록 돕는 결정적 역할을 한다.

최종 출력은 영화 편집 과정의 마지막 단계로, 모든 편집, 색보정, 시각 효과, 사운드 믹싱 작업이 완료된 최종 영상 파일을 제작하는 과정이다. 이 단계에서는 편집자와 감독이 최종적으로 승인한 파인 컷을 바탕으로, 극장 상영, 텔레비전 방송, 스트리밍 서비스 배포 등 각 목적에 맞는 다양한 포맷과 규격의 마스터 파일을 생성한다. 이 과정에는 최종 화질과 음질의 검수, 자막과 메타데이터의 삽입, 그리고 저작권 정보와 같은 법적 요소의 확인이 포함된다.

최종 출력의 구체적인 작업으로는 특정 해상도(예: 2K, 4K)와 프레임 속도, 압축 코덱을 적용한 디지털 시네마 패키지(DCP) 제작, 방송용 파일 변환, 또는 스트리밍 서비스용 파일 인코딩 등이 있다. 또한, 다양한 국가와 언어를 위한 자막 파일과 더빙 트랙을 준비하고, 영화의 공식 러닝타임이 확정된다. 이 단계를 거쳐야 비로소 영화는 관객과 만날 수 있는 완성된 형태를 갖추게 된다.